Historia de la Educación Artística.
. A lo largo de la historia la metodología de la Educación Artística ha producido un cambio notable.
. La enseñanza del dibujo se implanto durante la primera mitad del siglo XIX.
Antigüedad.
. El dibujo al igual que el resto de disciplinas se implantaron en las grandes escuelas filosóficas. El documento mas antiguo de la enseñanza del dibujo es un párrafo de la obra de Aristóteles titulada “Política”.
Edad Media.
. Las artes plásticas eran consideradas oficios manuales, por lo que estas profesiones se aprendían en talleres de trabajo.
. El aprendizaje estaba claramente centrado en materiales y técnicas.
. Cennini Cernino.
Tratado de formación artística que simplemente describían los procedimientos y materiales.
. La mejor manera de aprender los conocimientos es a través de la practica experimental.
Academias de dibujo: del Renacimiento al Romanticismo.
. La primera academia de dibujo se funda en Florencia en 1563 por Giorgio Vasari.
. El programa de estudio estaba organizado alrededor de la enseñanza del dibujo, considerándolo el fundamento de todas las bellas artes.
. Metodología enseñanza:
Basada en la copia:
. De laminas.
. Dibujo de grandes maestros. .
. Bajorrelieves y estatuas. . Estudios teóricos:
.Perspectiva.
. Anatomía.
. Teoría de la proporción.
. Dibujo del natural.
. Historia del arte y estética.
. Las academias fueron afianzándose hasta finales del siglo XIX.
Dibujo en la escuela del siglo XIX.
. El dibujo se incluye en el currículo en la primera mitad del siglo XIX.
. El dibujo se convierte en el vehículo para el desarrollo técnico y la fabricación industrial.
. Era exclusivamente figurativo con una sólida fundamentación geométrica.
. Dos grandes vertientes se diversifican:
. Artístico.
. Técnico.
. Primera mitad del siglo XIX aparecen los primeros manuales.
ABC de la intuición o intuición de las proporciones. Johann Heinrich Pestalozzi. 1803.
Reglas y ocupaciones. Friedrich Froebel. 1835- 1850.
. La segunda mitad del siglo XIX.
Gran desarrollo de métodos y manuales de dibujo
La primera mitad del siglo XX: el descubrimiento del arte infantil.
. Primera mitad del siglo XX.
Reconocimiento de la manera de expresión de los niños a través del dibujo.
. Esta nueva manera de comprender el dibujo infantil se relaciona con los movimientos artísticos de la vanguardia, Cubismo.
. Las imágenes y objetos de otras culturas comenzaron a cobrar gran importancia artísticas.
Estas formas de expresión artística en occidente lo relacionan con la forma espontánea del dibujo infantil.
. El dibujo infantil acaparó buena parte de la investigación psicoeducativa.
La segunda mitad del siglo XX: desde la autoexpresión creativa a la Educación Artística como disciplina.
. Autoexpresión creativa:
La educación artística no consistía en que las personas aprendieran a hacer arte, sino que a través del arte aprendan a ser una persona.
. La consolidación institucional: INSEA: Dos acontecimientos importantes.
Unesco organiza un seminario sobre educación Artística 1951 en Bristol (Reino Unido).
1955 Unesco y la oficina internacional de educación aprueban las recomendaciones relativas a la enseñanza de las artes plásticas en las escuelas de primarias y secundaria.
. El lenguaje visual como modo de conocimiento.
. Dos argumentos mas importantes de la Educación Artística.
Rudolf Arnheim. Ver es pensar y por consiguiente las obras visuales un modo de conocimiento.
Las artes visuales constituyen un lenguaje.
La profesora de Artes Visuales Danis A. Dondis.
Primer intento de verbalizar el lenguaje visual buscando cuales eran los elementos básicos que la constituían, así como las reglas o normas sintácticas que regulaban las relaciones entre tales elementos y los códigos con los que interpretar sus significados.
Elliot Eisner: La revisión disciplinar de la autoexpresión creativa
. En 1970 promovió muchas de los principales proyectos sobre educación artística.
La Educación Artística Basada en la Disciplina (DBAE): el currículo deriva de la estética, la critica de arte, la historia del arte y la creación artística.
. DBAE, Centro Getty para la educación en Arte. California.
Objetivos fundamentales:
Desarrollan las habilidades y características del alumnado para comprender y apreciar el arte, para lo cual resulta imprescindible conocer las teorías y conceptos artísticos, así como tener una experiencia creadora.
martes, 23 de febrero de 2010
UNA UNIDAD DIDÁCTICA SOBRE UNA UNIDAD DIDÁCTICA
Temática: Unidad didáctica.
Aprendizaje: Adoptar las capacidades para el desarrollo de una unidad didáctica.
- Concreción curricular:
1. Introducción:
- Contexto: Grupo de 60 alumnos aprox. Del MAES. Ubicación: Salón de grado Anexo Bellas Artes, Gonzalo de Bilbao. Alumnos licenciados en arquitectura, arquitectura técnica y bellas artes.
- Fundamentación: Plantear las nociones fundamentales para la comprensión y elaboración de una unidad didáctica.
2. Objetivos:
- Generales: Comprender el mecanismo de la unidad didáctica.
Valorar la importancia de una unidad didáctica.
Poseer las capacidades para el desarrollo de la misma.
- Específicos: Comprender las terminologías de la unidad didáctica.
Desarrollar sus distintos apartados.
Incluir contenidos transversales con independencia de la temática-
3. Contenidos:
- Conceptuales: Comprensión de los conceptos de la unidad didáctica.
- Procedimentales: Desarrollo de los componentes que conforman la unidad didáctica.
- Actitudinales: Fomentación del trabajo en equipo.
Comprensión y adaptación de los distintos roles existentes dentro del aula.
4. Metodología:
Actividades:
Temporalización.
Exposición genérica de los términos de Unidad Didáctica, y de los procesos de ejecución de la misma, apoyado en soporte visual ( Power Point).
20 minutos
Entrega de modelos de distintas Unidades Didácticas para que los alumnos elaboren un mapa conceptual, simplificando y estructurando conceptos básicos aprendidos.
30 minutos
Elaboración de una unidad didáctica con el tema preferido por el alumno.
40 minutos
Temporalización total: 1 hora 30 minutos.
5. Evaluación:
Aprendizaje: Adoptar las capacidades para el desarrollo de una unidad didáctica.
- Concreción curricular:
1. Introducción:
- Contexto: Grupo de 60 alumnos aprox. Del MAES. Ubicación: Salón de grado Anexo Bellas Artes, Gonzalo de Bilbao. Alumnos licenciados en arquitectura, arquitectura técnica y bellas artes.
- Fundamentación: Plantear las nociones fundamentales para la comprensión y elaboración de una unidad didáctica.
2. Objetivos:
- Generales: Comprender el mecanismo de la unidad didáctica.
Valorar la importancia de una unidad didáctica.
Poseer las capacidades para el desarrollo de la misma.
- Específicos: Comprender las terminologías de la unidad didáctica.
Desarrollar sus distintos apartados.
Incluir contenidos transversales con independencia de la temática-
3. Contenidos:
- Conceptuales: Comprensión de los conceptos de la unidad didáctica.
- Procedimentales: Desarrollo de los componentes que conforman la unidad didáctica.
- Actitudinales: Fomentación del trabajo en equipo.
Comprensión y adaptación de los distintos roles existentes dentro del aula.
4. Metodología:
Actividades:
Temporalización.
Exposición genérica de los términos de Unidad Didáctica, y de los procesos de ejecución de la misma, apoyado en soporte visual ( Power Point).
20 minutos
Entrega de modelos de distintas Unidades Didácticas para que los alumnos elaboren un mapa conceptual, simplificando y estructurando conceptos básicos aprendidos.
30 minutos
Elaboración de una unidad didáctica con el tema preferido por el alumno.
40 minutos
Temporalización total: 1 hora 30 minutos.
5. Evaluación:
Dos ejercicios: Mapa conceptual 30 %
Unidad didáctica 50 %
Asistencia 20 %
Unidad didáctica 50 %
Asistencia 20 %
sábado, 20 de febrero de 2010
REFLEXIÓN: Lectura de R. Marín
1. Grado de afinidad con los distintos puntos de vista desarrollados a lo largo de la historia de la educación artística.
Más que historia de la educación artística, nos referimos a la historia de la educación de distintos aspectos que hoy en día en su conjunto la denominamos e. artística. Por ejemplo, la educación teórica de la estética,… (Grecia), la educación para desarrollar las habilidades técnicas de las artes plásticas… (formación gremial del medievo)… Los conocimientos que se enseñaban venían determinados por las necesidades concretas de la sociedad en cada momento histórico, y dentro de esas enseñanzas cabía la posibilidad del aprendizaje de aspectos relativos a las artes. La educación artística como tal, se concibe desde principios del s. XX, y según los diferentes tipos de enseñanzas que se van conformando poco a poco, pienso que soy más afín al sistema de autoexpresión creativa. También otorgo más valor al proceso frente al resultado, a la formación de jovenes con grandes capacidades creativas, competencias básicas que son necesarias en la sociedad actual.
2. Pros y contras de las distintas etapas de la educación artística.
En la Antigüedad lo positivo de la educación era la reflexión teórica y filosófica de transfondo, que formaba a alumnos pensadores, racionales y reflexivos, que no se limitaban meramente al trabajo manual siguiendo unas directrices marcadas sin cuestionarse el por qué de la labor. Por lo tanto, mientras que en la antigüedad y concretamente en Grecia, me es dificil encontrar inconvenientes o contras en la educación, (excepto que sólo tenían accesibilidad a la educación los varones), desde la edad media hasta el s. XIX, inclusive la educación académica clásica me es dificil encontrar los pros. En estas etapas se coartaban radicalmente la libertad creadora del alumno, convirtiendose en un mero copista sin uso del ejercicio mental. Por lo tanto, no definiría como educación artística a la educación que enseña y evalua conforme a la perfección de copiar ciertas piezas o dibujos. Si existiese alguna ventaja en la educación de los gremios ésta sería que el aprendizaje está directamente orientado al oficio o profesión queel alumno iría a desarrollar una vez finalizado su periodo de educación.
En el s. XX lo positivo sería que la educación artística se adapta al uso escolar, rompe con la tradición academicista y la potenciación de la creatividad y crecimiento personal. Lo negativo es que todavía en la actualidad estamos preguntándonos que se entiende por educación artística. La falta de determinación de los parámetros que concretan objetivamente la educación artística, y la falta de una finalidad concreta, no hace más que sea más susceptible de crítica y peor reconocimiento y valoración de la materia.
3. Argumentos propios de la educación artística cara al presente.
No sabría definir concretamente como debería ser la educación artística en el presente. Pero si podría establecer un objetivo primordial que sería la educación y formación de personas con unas competencias básicas para atender a las necesidades que en la actualidad se exigen en el terreno de lo artístico.
Más que historia de la educación artística, nos referimos a la historia de la educación de distintos aspectos que hoy en día en su conjunto la denominamos e. artística. Por ejemplo, la educación teórica de la estética,… (Grecia), la educación para desarrollar las habilidades técnicas de las artes plásticas… (formación gremial del medievo)… Los conocimientos que se enseñaban venían determinados por las necesidades concretas de la sociedad en cada momento histórico, y dentro de esas enseñanzas cabía la posibilidad del aprendizaje de aspectos relativos a las artes. La educación artística como tal, se concibe desde principios del s. XX, y según los diferentes tipos de enseñanzas que se van conformando poco a poco, pienso que soy más afín al sistema de autoexpresión creativa. También otorgo más valor al proceso frente al resultado, a la formación de jovenes con grandes capacidades creativas, competencias básicas que son necesarias en la sociedad actual.
2. Pros y contras de las distintas etapas de la educación artística.
En la Antigüedad lo positivo de la educación era la reflexión teórica y filosófica de transfondo, que formaba a alumnos pensadores, racionales y reflexivos, que no se limitaban meramente al trabajo manual siguiendo unas directrices marcadas sin cuestionarse el por qué de la labor. Por lo tanto, mientras que en la antigüedad y concretamente en Grecia, me es dificil encontrar inconvenientes o contras en la educación, (excepto que sólo tenían accesibilidad a la educación los varones), desde la edad media hasta el s. XIX, inclusive la educación académica clásica me es dificil encontrar los pros. En estas etapas se coartaban radicalmente la libertad creadora del alumno, convirtiendose en un mero copista sin uso del ejercicio mental. Por lo tanto, no definiría como educación artística a la educación que enseña y evalua conforme a la perfección de copiar ciertas piezas o dibujos. Si existiese alguna ventaja en la educación de los gremios ésta sería que el aprendizaje está directamente orientado al oficio o profesión queel alumno iría a desarrollar una vez finalizado su periodo de educación.
En el s. XX lo positivo sería que la educación artística se adapta al uso escolar, rompe con la tradición academicista y la potenciación de la creatividad y crecimiento personal. Lo negativo es que todavía en la actualidad estamos preguntándonos que se entiende por educación artística. La falta de determinación de los parámetros que concretan objetivamente la educación artística, y la falta de una finalidad concreta, no hace más que sea más susceptible de crítica y peor reconocimiento y valoración de la materia.
3. Argumentos propios de la educación artística cara al presente.
No sabría definir concretamente como debería ser la educación artística en el presente. Pero si podría establecer un objetivo primordial que sería la educación y formación de personas con unas competencias básicas para atender a las necesidades que en la actualidad se exigen en el terreno de lo artístico.
EL ARTE COMO SISTEMA CULTURAL. CLIFFORD GEERTZ
Tras la intensa lectura del extenso texto de Cliffort Geertz, más que extenso por su tamaño, extenso por su lectura tan reiterada, metafórica y barroquizante. La visión de del autor sobre el arte como sistema cultural, la he sometido a una valoración crítica y personal, aportando una serie de premisas importantes en este aspecto.
Geertz expone como ejemplo las expresiones artísticas de las tribus primitivas, y el concepto que para ello supone la expresión plástica como la búsqueda de la máxima perfección de similitud con su patrón. La visión que tienen ellos de sus pinturas no es la misma que la que tenemos en occidente, por lo tanto, partiendo de esta visión que ofrece Geertz, yo me plantearía el concepto de arte tal y como lo conocemos como un hecho o acto de la cultura occidental. Nosotros mismos nos hemos inventado el concepto arte.
Así mismo, Geertz sigue exponiendo ejemplos del significado de la pintura o escultura religiosa en el cuattrocento italiano, donde la expresión plástica está totalmente al servicio de la religión como soporte propagandístico. Pero desde la visión de los italianos del s. XV, la obra en sí mismo no se determina como una obra de arte, sino mas bien como un trabajo artesanal de una gran belleza, que precisaba de unas habilidades especiales dignas de un “genio” como bien llamaban a lo que nosotros hoy en día designaríamos artista. Por lo tanto, nuestros antepasados del s. XV, tampoco entendían el concepto de ARTE tal y como lo entendemos en la actualidad. Pero si va surgiendo las primeras reflexiones filosóficas en torno a lo que iría a desembocar el concepto de arte del s.XX. Como el tratado de pintura de Leonardo o de Alberti, donde surge el pensamiento de diferenciar la pintura no como un trabajo artesanal, sino más bien intelectual, y surgen una serie de disputas teóricas y filosóficas para determinar el significado de la pintura y del resto de las artes plásticas.
A sí mismo, en el mundo islámico, nosotros podemos calificar la escritura del Corán de las yeserías de edificio especialmente llamativa por su gran belleza como medio decorativo, incluso calificarlo como una obra de arte. En cambio para los que desarrollan esta actividad como expresión de su cultura tiene un sentido totalmente diferente y por ello no menos valioso. La escritura del Corán es lo más cercano para ello a Dios, es el pilar fundamental de su cultura y lo que rige su vida. La escritura del Corán ocupa un lugar primordial en la sociedad y, según su aprendizaje, será el estatus social que ocupe en ella. La sociedad islámica no entiende su vida sin el Corán, la sociedad gira en torno a él e incluso en su vida diaria. Pero no entenderían jamás la escritura del Corán como un arte.
A partir del finales del s. XIX, principios del s. XX, ya existe una visión más similar a la que poseemos en occidente en la actualidad. Según el texto de Geertz, Mattisse expone “la propuesta de un pintor no debe considerarse a parte de sus medios pictóricos. Soy incapaz de hacer distinción entre el sentimiento que tengo de la vida y mi manera de expresarlo”. Matisse defiende el acto de pintar como algo totalmente humano, ligado a su contexto cultural.
Y este contexto cultural de principios del s. XX, el hombre obsesionado por etiquetarlo todo, tiene la necesidad de considerar el arte como lenguaje, y de construir teorías que le ayuden a explicar lo inexplicable. Incluso analizan las formas de expresión plástica de los aborígenes australianos a través de una serie de elementos formales, unidades gramaticales icónicas de representación,… muy lejos de lo que verdaderamente significa realmente esta expresión cultural para ellos, y que nunca llegaremos a comprender los occidentales porque no es lo que vivimos.
Por lo tanto, he considerado como concepto fundamental del texto: el arte como un acto o hecho cultural, ligado totalmente al desarrollo del ser humano en su contexto. Pero a esta primera premisa le sumaría una frase célebre de Geertz que abreviaría toda esta reflexión: “de lo que no se puede hablar, se debe guardar silencio” (Geertz, Clifford).
Geertz expone como ejemplo las expresiones artísticas de las tribus primitivas, y el concepto que para ello supone la expresión plástica como la búsqueda de la máxima perfección de similitud con su patrón. La visión que tienen ellos de sus pinturas no es la misma que la que tenemos en occidente, por lo tanto, partiendo de esta visión que ofrece Geertz, yo me plantearía el concepto de arte tal y como lo conocemos como un hecho o acto de la cultura occidental. Nosotros mismos nos hemos inventado el concepto arte.
Así mismo, Geertz sigue exponiendo ejemplos del significado de la pintura o escultura religiosa en el cuattrocento italiano, donde la expresión plástica está totalmente al servicio de la religión como soporte propagandístico. Pero desde la visión de los italianos del s. XV, la obra en sí mismo no se determina como una obra de arte, sino mas bien como un trabajo artesanal de una gran belleza, que precisaba de unas habilidades especiales dignas de un “genio” como bien llamaban a lo que nosotros hoy en día designaríamos artista. Por lo tanto, nuestros antepasados del s. XV, tampoco entendían el concepto de ARTE tal y como lo entendemos en la actualidad. Pero si va surgiendo las primeras reflexiones filosóficas en torno a lo que iría a desembocar el concepto de arte del s.XX. Como el tratado de pintura de Leonardo o de Alberti, donde surge el pensamiento de diferenciar la pintura no como un trabajo artesanal, sino más bien intelectual, y surgen una serie de disputas teóricas y filosóficas para determinar el significado de la pintura y del resto de las artes plásticas.
A sí mismo, en el mundo islámico, nosotros podemos calificar la escritura del Corán de las yeserías de edificio especialmente llamativa por su gran belleza como medio decorativo, incluso calificarlo como una obra de arte. En cambio para los que desarrollan esta actividad como expresión de su cultura tiene un sentido totalmente diferente y por ello no menos valioso. La escritura del Corán es lo más cercano para ello a Dios, es el pilar fundamental de su cultura y lo que rige su vida. La escritura del Corán ocupa un lugar primordial en la sociedad y, según su aprendizaje, será el estatus social que ocupe en ella. La sociedad islámica no entiende su vida sin el Corán, la sociedad gira en torno a él e incluso en su vida diaria. Pero no entenderían jamás la escritura del Corán como un arte.
A partir del finales del s. XIX, principios del s. XX, ya existe una visión más similar a la que poseemos en occidente en la actualidad. Según el texto de Geertz, Mattisse expone “la propuesta de un pintor no debe considerarse a parte de sus medios pictóricos. Soy incapaz de hacer distinción entre el sentimiento que tengo de la vida y mi manera de expresarlo”. Matisse defiende el acto de pintar como algo totalmente humano, ligado a su contexto cultural.
Y este contexto cultural de principios del s. XX, el hombre obsesionado por etiquetarlo todo, tiene la necesidad de considerar el arte como lenguaje, y de construir teorías que le ayuden a explicar lo inexplicable. Incluso analizan las formas de expresión plástica de los aborígenes australianos a través de una serie de elementos formales, unidades gramaticales icónicas de representación,… muy lejos de lo que verdaderamente significa realmente esta expresión cultural para ellos, y que nunca llegaremos a comprender los occidentales porque no es lo que vivimos.
Por lo tanto, he considerado como concepto fundamental del texto: el arte como un acto o hecho cultural, ligado totalmente al desarrollo del ser humano en su contexto. Pero a esta primera premisa le sumaría una frase célebre de Geertz que abreviaría toda esta reflexión: “de lo que no se puede hablar, se debe guardar silencio” (Geertz, Clifford).
domingo, 7 de febrero de 2010
Reflexion: ARTE- ARTISTA- MANIFESTACIÓN ESTÉTICA
Al hablar del concepto ARTE, se me viene a la cabeza una gran cantidad de imágenes, sonidos, sentimientos, sensaciones,... que me resultan de una gran dificultad determinar en unas pocas palabras,... por lo que intentaré ir desenredando poco a poco esta madeja a través de conceptos más concretos que se relacionen y conformen el término de ARTE.
En la actualidad definimos una obra de arte como el producto plástico, linguístico, sonoro,...con unas propiedades estéticas, cuya finalidad puede partir de la simple contemplación,... o ser un medio comunicativo o de interacción,...que exprese al espectador una serie de emociones, ideas, sentimientos,... que lo envuelvan y lo cautiven, deseando su propiedad. Por ello dicho producto adquiere un gran valor al ser deseado por muchas personas. Pero este valor puede apreciarse y ser dotado en el momento cronológico de su creación, o ser un hecho anacrónico, pero si es general, que en el momento que se califica un producto como una obra de arte, este valor perdura a través de los tiempos. El valor de "obra de arte" podemos apreciarlo tanto en una pintura o un dibujo, como en una arquitectura, una pieza musical, una obra literaria o culinaria, un baile, en una silla, o en una obra teatral...
Por lo tanto, el concepto de artista lo definimos como la persona que posee la habilidad, el don de dotar de valor artistico a un producto. Es una persona con una gran sensibilidad y es capaz de transmitirla a aquello que crea. De ahi la relacion del artista con la divinidad, ya que posee un don divino capaz de maravillar y sorprender al espectador a traves de su producto.
Por lo tanto podemos concretar como manifestacion artistica al resultado de la actividad en la que el artista crea una obra de arte. Muy lejos queda cualquier relacion directa de arte con manifestacion estetica, ya que una obra de arte va mucho mas alla de poseer unas simples propiedades esteticas,... Una simple escalera interior puede poseer unas propiedades esteticas, pero solo una escalera como la que os expongo en esta imagen puede considerarse una obra de arte, capaz de maravillar, conmover, sorprender, cautivar,...
... el por qué yo en este master... y este cuaderno de bitácora?
Soy licenciada en Bellas-artes, especializada en restauración y conservación de obras de arte. Desde pequeña siempre tuve los objetivos muy claros,... mi gran interés, sensibilidad y atracción por la pintura y el arte en general, determinaron la elección de los estudios de bellas artes... pero nunca tuve clara una profesión concreta... hasta que conocí la del restaurador.
Para mi es una profesión que te permite conocer al máximo el resultado físico del arte, es decir, el objeto artístico. Te permite conocer y aprender el arte a través de su historia, de su química, de su biología, o de su física. Es una profesión que te permite desarrollar la sensibilidad, el respeto hacia los bienes culturales actuando con las medidas oportunas para lograr su preservación y conservación para el futuro.
Por lo tanto en la educación, un restaurador también puede enseñar muchísimo sobre arte desde un punto de vista totalmente diferente,... así que a través del exigido cuaderno de bitácoras espero aprender los fundamentos y la metodología del aprendizaje y enseñanza del dibujo, la imágen y las artes plásticas,...y así conseguir las herramientas necesarias para transmitir mis conocimientos de la materia en un futuro...
Para mi es una profesión que te permite conocer al máximo el resultado físico del arte, es decir, el objeto artístico. Te permite conocer y aprender el arte a través de su historia, de su química, de su biología, o de su física. Es una profesión que te permite desarrollar la sensibilidad, el respeto hacia los bienes culturales actuando con las medidas oportunas para lograr su preservación y conservación para el futuro.
Por lo tanto en la educación, un restaurador también puede enseñar muchísimo sobre arte desde un punto de vista totalmente diferente,... así que a través del exigido cuaderno de bitácoras espero aprender los fundamentos y la metodología del aprendizaje y enseñanza del dibujo, la imágen y las artes plásticas,...y así conseguir las herramientas necesarias para transmitir mis conocimientos de la materia en un futuro...
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